DOS EXPOSICIONES CULMINAN EL GRAN AÑO DE ESPACIO HACHE

Este año, Espacio Hache presente en Ch.ACO 2014, resultó  ganador del mejor Pop_Up Spaces, premio otorgado por su puesta en escena y desarrollo del proyecto presentado durante el evento más importante de las artes de nuestros país. En casi dos años de existencia, Espacio Hache, no sólo ha conseguido este reconocimiento sino que ha logrado reunir a destacados artistas nacionales. Y para festejar cierran el año con las exposiciones de Pablo Ferrer y Rodrigo Vergara.

 

Espacio Hache Gestión Cultural es una plataforma destinada a la gestión, difusión y producción del arte contemporáneo. Creado en el año 2012, y situada en una antigua casa del barrio Ñuñoa, Espacio Hache se establece a partir de tres importantes ejes que articulan su visión sobre la cultura y las artes visuales en Chile: la difusión y gestión del arte contemporáneo local –por medio de la comercialización de obras y el desarrollo de proyectos culturales–; la especialización gráfica –a través de Taller Hache, enfocado en la impresión serigráfica de obras de arte–, y la producción –por medio del arriendo de talleres y espacios, y la potencial confluencia disciplinaria que esto significa–.

 

Con el fin de difundir el arte contemporáneo local, Espacio Hache cuenta con una plataforma de comercialización de obras donde participan diferentes artistas –Pablo Ferrer, Magdalena Atria, Soledad Pinto, Javier Rodríguez, César Gabler, Paloma Villalobos, Félix Lazo y Rodrigo Vergara–, los que conforman, por medio de diversas materialidades y recursos, una pequeña cartografía de lo que es el arte contemporáneo local. De este modo, aun cuando ellos representan sólo un pequeño grupo dentro de lo que se puede entender como “lo local”, logran articular una variada muestra de los recursos y plataformas que constituyen un discurso sobre lo contemporáneo.

 

Presencia en Ch.ACO 2014

Para Carolina Hoechmann, encargada de Espacio Hache, haber recibido la distinción al mejor Pop_Up Spaces es muy importante ya que es una gran plataforma de difusión para el espacio. “Llevamos un año y medio funcionando y tenemos un modelo de gestión que es distinto al de las galerías tradicionales, por lo que la inserción también es diferente y claramente el estar en Ch.ACO tiene que ver con utilizar la feria como plataforma de difusión”.

 

La presentación del stand se basó en la pintura, su desplazamiento al dibujo y posteriormente, su desplazamiento a la escultura con una obra que contiene color y un tratamiento del color, de forma pictórica.

 

Exposiciones en Espacio Hache

Este 25 de octubre a las 12:00 horas se inaugura la exposición Acuarelas de Rodrigo Vergara. “Las acuarelas que presento en Espacio Hache fueron realizadas entre los años 2009 y 2012. Son aguadas que se transforman en proyectos escultóricos. Algunos realizados y otros imposibles de construir. Una serie corresponde a distintas estructuras de una obra en construcción; otra es la combinación de un tabique con el diseño geométrico de cinco frazadas distintas. Las estructuras se ven frágiles y mínimas ante un gran espacio en blanco que se convierte en cualquier paisaje posible”, explica el artista.

Y el 7 de noviembre a las 19:30 horas es el turno de la inauguración de Papeles de Pablo Ferrer “Mi producción visual ha estado centrada en la pintura y en una reflexión constante en torno a la representación. Mis pinturas toman como punto de partida la idea de que toda imagen arrastra un pasado sedimentado que retorna en ella. Por otro lado he indagado en diversos modos de construcción de escenas en las que se mezclan el uso de la maqueta y el collage. De esta forma he buscado establecer diversas aproximaciones al estatuto del modelo en la pintura”.

 

 

ESPACIO HACHE

Eduardo Castillo Velasco 895, Ñuñoa

www.espaciohache.cl / contacto@espaciohache.cl

Visitas previa cita

¿Qué es de ti, mi buen Juan? Exposición de Juan Francisco González en el MNBA

Releyendo la pintura de Juan Francisco González

Entre el 11 de septiembre y el 26 de octubre, numerosos paisajes urbanos y rurales, retratos femeninos, flores y frutas, poblarán la Sala Chile del Museo Nacional de Bellas Artes en la muestra “¿Qué es de ti, mi buen Juan? El camino del pintor Juan Francisco González” (1853-1933), que exhibirá parte de la obra más característica del artista, perteneciente a la Colección Patrimonial del MNBA.

Rosas silvestres y gladiolos simbolizan aquí el carácter irreverente del artista, viajero incansable, proveniente del proletariado chileno del siglo XIX, que se enfrenta desde la más cruda pobreza al camino del arte, oponiéndose a toda tendencia y gusto estético establecido por los grupos de poder del momento. Integrante del Grupo de los Diez, desde 1916, junto a poetas e intelectuales que lideraron el movimiento de vanguardia de la época.

La muestra, conformada por más de 40 telas, seleccionadas obedeciendo al criterio de formación de una colección, permite reactivar la lectura de la obra de González. Inicia un recorrido por su pintura e historia, a modo del camino del héroe planteado por el investigador Joseph Campbell en 1949. Este patrón se resume en la tríada abordada en esta exposición: la partida, la transformación y el final del viaje.

“Como todo moderno, González es un personaje inquieto, irreverente y contradictorio. Observar su obra hoy, es observar este trayecto como un relato personal y cultural, pero también como el inicio de la concepción de un territorio (individual y colectivo), junto a la imagen de ‘otro’ que se transfiere desde el origen proletario del pintor y en los rasgos de una femineidad popular además de atrevida, por su sola concepción de que, lejos de ser monolítica o única, transgrede todo proyecto tradicional. Revisitar su obra hoy es instalar en la contemporaneidad las viejas discusiones sobre la institucionalidad, los márgenes del arte y las cuestiones de género”, señala Gloria Cortés, curadora del Museo Nacional de Bellas Artes.

Roberto Farriol, director del MNBA, destaca: “Así como cada época instala un nuevo paradigma, un cambio en la forma de construir o de expandir la noción del arte, sólo algunos artistas logran comprender, traducir y transformarse en protagonistas de dichas inflexiones, es el caso de Juan Francisco González”.

Es así como, al cierre de este recorrido, desde la partida del viajero hacia su alocada biografía, para detenerse en la realidad histórica del arte chileno, a causa de la evolución de las propias contradicciones de González, el visitante podrá preguntarse -como bien escribiría su hermano Simón desde París- “¿(…) qué es de ti, mi buen Juan?”.

SOBRE EL ARTISTA

Juan Francisco González nace el 25 de septiembre de 1853 en Santiago, donde fallece, el 4 de marzo de 1933. Muy tempranamente estudia pintura con Manuel Tapia, siendo incorporado más tarde a la Academia de Bellas Artes (1869) tras el encuentro e intervención del también pintor Pedro Lira. Alumno de Ernesto Kirchbach y de Giovanni Mochi, González se caracteriza por su espíritu libre e independiente, que lo lleva a desarrollar una pintura inédita hasta ese momento en nuestro país. Ese mismo espíritu seduce a muchos jóvenes que siguen su enseñanza, tanto en el taller como en la Escuela de Bellas Artes, labor docente que practica por cerca de tres décadas.

Su primer viaje a Europa se inicia en 1887, luego de abandonar la Academia. El conocimiento de nuevas tendencias artísticas le resulta particularmente atractivo y traslada nuevas teorías al ambiente chileno, las que suscitan diversas controversias y oposiciones con pintores e intelectuales de la época. Se instala en Limache donde produce su obra más característica, paisajes campesinos, mujeres de pueblo y amigos cercanos. Diez años después realiza su segundo viaje a Europa, para culminar en 1904 con el último que emprende al viejo continente.

Es socio fundador de la Sociedad Nacional de Bellas Artes, que pretende actuar como un núcleo independiente de la Academia y de la Comisión de Bellas Artes.

Concurso de Acuarela Hardy Wistuba 2014

El premio asciende a U$ 5000 y el plazo de recepción es hasta el 14 de agosto de 2014. Las obras seleccionadas harán itinerancia a lo largo de Chile en una programación por definir.

Al cumplir cinco años desde su creación, el Concurso de Acuarela Hardy Wistuba ya está instalado como una tradición entre los acuarelistas chilenos. La Liga Chileno Alemana en conjunto con el arquitecto Alberto Collados, han llamado a participar en la quinta versión de este concurso anual.

Creado en honor del artista chileno Hardy Wistuba, fallecido en 2010, el certamen busca relevar la figura del notable acuarelista así como incentivar el cultivo de esa disciplina artística. Pueden participar artistas profesionales o aficionados con obras realizadas únicamente con la técnica de la acuarela y sin limitaciones en el tema ni en el formato.

Las obras seleccionadas se expondrán en las salas de la Liga Chileno Alemana entre el 9 y el 30 de octubre y el premio único alcanza a los US$ 5.000.

“Nos sentimos honrados de seguir realizando este certamen y posibilitando que año a año los cultores de la acuarela tengan un espacio de encuentro y reconocimiento inspirado por el gran Hardy Wistuba ”, comenta Collados, director el Concurso y acuarelista de renombre, quien en su momento participó del ya legendario taller Wistuba.

El jurado estará conformado por la ganadora de la versión 2013, Ximena García; el crítico Pedro Labowitz y otras personalidades del arte y la cultura. El director del concurso es el arquitecto Alberto Collados.

Las obras deben enviarse hasta el 14 de agosto de 2014 al mail
 y las bases se encuentran en

http://dcb.cl/concurso-wistuba-3/

Hardy Wistuba Stange

Nació en Puerto Montt en 1925 y falleció en junio de 2010. Inició su labor artística a temprana edad, para luego ingresar a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, consagrando su vida a la pintura. Aunque incursionó en diversas técnicas pictóricas, la acuarela es la protagonista de su pródiga obra de alrededor de seis mil cuadros, muchos de ellos en museos y colecciones nacionales e internacionales. El paisaje predomina en su temática, destacando ese sur siempre inspirador, pero abarcando la geografía entera de Chile y algunos chispazos en el extranjero. Sus exposiciones han recorrido el país y el mundo, llegando a lugares tan remotos como China y Sudáfrica, consagrándolo como el acuarelista más destacado del Chile. Notable fue también en su perseverante y fructífera labor docente, formando una pléyade de acuarelistas que han seguido su maestría.

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Ganadora 2013 Ximena Garc+!a

 

“Mi Vecino. El otro”

La Semana de Arte Contemporáneo o SACO se instaura en el norte de Chile como iniciativa autónoma y cíclica del Colectivo SE VENDE Plataforma Móvil de Arte Contemporáneo, con el objetivo de acercar el público local a la producción actual, y a la vez construir una tribuna de conexión y diálogo, heterogénea y moldeable.

La primera versión, en 2012, incluyó una muestra de arte internacional que ocupó un espacio emblemático de la ciudad: el Centro Cultural Estación Antofagasta. Artistas de México, Chile, Argentina y Egipto, expusieron toda clase de obras e hicieron talleres de arte al público. Marisa Caichiolo, la curadora invitada, ofreció charlas, mientras que algunos de los invitados realizaron acciones de arte en Quillagua, 280 kilómetros al norte de la ciudad.

Un año después, SACO2 propuso como tema un fenómeno particular del último tiempo: la emergencia de gestiones autónomas en regiones o en zonas periféricas a los epicentros del arte, invitando a directores de proyectos de Concepción, Pedro Aguirre Cerda (Santiago) y Córdova (Argentina) a participar en una semana de trabajo entre ellos y el público. Se sumaron una exposición con artistas de la zona e intervenciones en el Parque Cultural Huanchaca.

Del 21 al 31 de agosto de 2014, SACO3 da un salto hacia el ámbito internacional y a un tema clave a nivel local, que atraviesa tanto lo político, como lo social y cultural: la relación entre Chile, Perú y Bolivia. Bajo el título “Mi vecino. El otro”, esta versión parte del convencimiento de que “a través del arte es posible profundizar en terrenos fracturados, que pocos se atreven a tocar”, dice Dagmara Wyskiel, directora: “Las fricciones y los calentamientos en las zonas fronterizas constituyen hoy un área de interés e investigación en varios puntos de tensión en el mundo. Son justamente estas zonas de contacto directo con el otro, donde la construcción de la identidad nacional establecida está basada en las diferencias con el de al lado. De este abreviado mapeo de la ‘patología de la imagen del otro’ surge la idea de construir una plataforma tripartita que, a través del ámbito del arte, permita investigar, debatir y ofrecer otras lecturas sobre la figura del vecino y sobre la tensión que se arma tanto entre la cercanía física y la lejanía emociona,l como en el conocimiento mutuo entre los tres pueblos limítrofes”, agrega Wyskiel.

SACO3 es un proyecto del Colectivo SE VENDE Plataforma Móvil de Arte Contemporáneo. Apoya Minera Escondida, financia Gobierno Regional Antofagasta, patrocinan el Consejo Regional de la Cultura y las Artes y CNC Medios, invita Parque Cultural Huanchaca.

PARTICIPANTES

Con curadores, investigadores y artistas de Chile, Perú y Bolivia, SACO3 tendrá tres hitos: una residencia creativa abierta a artistas invitados en QUILLAGUA; las actividades del PARQUE CULTURAL HUANCHACA, donde se incluyen una exposición de arte contemporáneo (abierta hasta el 31 del mismo mes), charlas de los expertos invitados y un workshop dirigido a periodistas, profesores y gestores culturales; más una CONVOCATORIA A COLEGIOS de la zona, invitando a que los alumnos dibujen cómo imaginan “al otro”, al habitante de los países vecinos. Los resultados conformarán un gran mural a instalarse en la institución cultural durante SACO3, y una exposición que estará en la Sala Multiuso Biblioteca Viva Antofagasta. Todas las actividades serán gratuitas.

 

Entre los invitados están los curadores Gustavo Buntinx (Perú), Lucía Querejazu (Bolivia) y Rodolfo Andaur (Chile); los investigadores Harold Hernández (Perú), Juan Fabbri (Bolivia) y Damir Galaz-Mandakovic (Chile); así como los artistas César Cornejo y Elliot Túpac Urcuhuaranga (Perú), Andrés Bedoya y Jaime Achocalla (Bolivia), Claudio Correa y Catalina González (Chile). Todos son autores relevantes en la escena local, regional e internacional.

El contexto de SACO es, de manera territorial y simbólica, el desierto: “Antofagasta es una ciudad joven, pujante, con mucha demanda cultural, especialmente desde las nuevas generaciones, de donde han surgido también artistas visuales muy inquietos e interesantes. Sin embargo, aún no hay espacios de exhibición especializados y sostenidos para estas disciplinas, ni tampoco un evento artístico, cíclico y masivo, como sí tienen la literatura, la música, el cine y el teatro a nivel local, que concite esta demanda. Si a esto sumamos la falta de una escuela de arte universitaria en todo el norte de Chile, entendemos a la vez el valor de SACO: estamos haciendo algo importante para revertir esta falta de espacios que canalicen y desarrollen este creciente interés. Queremos construir, dialogar y crear donde nada se ha hecho aún. Por esto es tan importante que el público nos acompañe, porque queremos que todos sean partícipes en este proyecto colectivo”, plantea Wyskiel.

Patricio Vilaplana, Gerente de Asuntos Corporativos de Minera Escondida, destacó la importancia del evento: “Nuestro interés es ser parte de actividades que incentiven el diálogo, la reflexión, y la discusión.  Estamos convencidos que a través de la participación ciudadana es posible aportar al desarrollo de una mejor ciudad. SACO3, será la “forma” de abordar una temática contingente  para llegar finalmente al “fondo”; ese que nos incentiva a descubrir al otro desde nuestras propias perspectivas”, indicó.

FICHA:

3ª Semana de Arte Contemporáneo.

–Inauguración: 21 de agosto a las 12:00 horas, en el Parque Cultural Huanchaca.

–Exposición “Mi vecino. El otro”:  del 21 al 31 de agosto, Parque Cultural Huanchaca.

–Conferencias y foro: 21 al 23 de agosto, a las 18:00 horas, Parque Cultural Huanchaca.

–Residencia “El lugar más seco del mundo”, entre 17 y el 23 de agosto, en Quillagua. http://www.colectivosevende.cl/

HEROICA – Territorio de resistencia

MAVI – Museo de Artes Visuales
Miercoles 4 ​de junio 19:30 hrs.
Diseño curatorial: Victor Hugo Bravo
 
Enrique Flores/Mauricio Bravo/Javier Rodríguez/Francisco Rodríguez/Jose Manuel Dumay/Francisco Huichaqueo-Maria Jose Rojas/Claudia Osorio/Carlos Osorio
Victor Hugo Bravo/Felipe Weason/Carolina Muñoz/Nicolas Fuentes/Sergio Cerón/Mario Z/Basecolor – Daniel Cerda/Gonzalo Latoja/Angie Saiz/Sebastian Silvat/Sergio Acevedo
Rodrigo Yanes/Guillermo Blamey/Carlos Montes de Oca/Arkadiusz Sylwestrowicz/Carlos Silva/Viky Bravo/Ana Maria Fell/Aldo Garrido/Juan Esteban Reyes/Andres Duran, Rene van Kilsdonk/Manuel Ormazábal/Claudio Oyarse
Programa:
 
CONVERSATORIO / EJERCICIOS DE COLECTIVIDAD / Jueves 29 de mayo – 19:00 hrs.
Hernan Pacurucu (curador y teórico ecuatoriano) – Mauricio Bravo (artista visual y teórico) – Patricio Muñoz Zarate (curador y teórico)
Senaquerib Astudillo (artista y director Centro Cultural Mapocho)
LANATURALEZADELSONIDO / Concierto audiovisual / Viernes 20 de junio – 20:00 hrs.
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HEROICA – Territorio de resistencia

 

La muestra “HEROICA – Territorio de resistencia” de los talleres Caja Negra Artes Visuales propone una estrategia de re-composición metafórica del lugar y de las prácticas político-culturales allí realizadas. Atravesada por conceptos de orfandad, resistencia, borde y territorialidad, el proyecto “Heroica…” muestra sus distintos periodos históricos y la singularidad de sus procedimientos de trabajo, ensamblando líneas de producción con formas de vida desarrolladas al interior del extinto espacio Caja Negra. Incluye a su vez las coherencias y los errores, su fuerte carácter comunitario y el conjunto de sociedades limitadas que tramaron su espacialidad y su plural geografía. La idea fundamental es recomponer un micro-modelo de producción cultural, cuyas líneas vertebrales han sido y son la comunidad, la dimensión no lineal o caótica de los procesos vitales y la naturaleza a-sistémica o anárquica de los deseos y sus múltiples formas y formatos de expresión. Lo que trasladamos al MAVI son materialidades, obras y registros históricos que testimonian las actitudes y actividades realizadas por un conjunto de personas en su afán de torcer o complejizar la coyuntura artística global.

 

Instalada en una perspectiva política, las practicas creativas al interior de Caja Negra definen un territorio de experimentación social marcado por la actuación colectiva, la preservación de la autonomía, la generación de ideas y proyectos que interpelan críticamente a la institucionalidad cultural, la creencia en que es imposible disociar las obras de las condiciones políticas, culturales y materiales de sus autores o gestores y que el mejor modo o el medio más eficaz para levantar políticas visuales consistentes es no negar los aspectos contradictorios y frágiles que traman nuestra experiencia del mundo.

 

LILY GARAFULIC  100 AÑOS. UNA DOBLE MIRADA

En homenaje a los cien años del nacimiento de la artista Lily Garafulic, el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Contemporáneo y la Fundación Itaú realizan en conjunto la muestra Lily Garafulic. 100 años. Una doble mirada. La serie de exhibiciones presentará esculturas y obras en papel (grabados y dibujos) de la artista ganadora del Premio Nacional de Arte 1995, además del documental “Lily Garafulic: En sus propias palabras”, de Gloria Garafulich-Grabois.

Lily Garafulic (1914-2012) fue una destacada escultora nacional formada en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Alumna de Lorenzo Domínguez, abrazó la abstracción tras conocer a Constantin Brancusi en París, en 1939. A partir de entonces, su trabajo siguió las últimas tendencias internacionales, algo que produjo un quiebre con su maestro chileno pero que le permitió desarrollar una línea de formación propia en la Escuela de Bellas Artes.

La muestra “Lily Garafulic. 100 años. Una doble mirada” pone el foco, por una parte, en su obra más conocida: sus esculturas, que se exhibirán en el MAC Parque Forestal hasta el 15 de junio. Y, por otra parte, en piezas más desconocidas, como sus grabados y dibujos inéditos, que se exhibirán en el Museo Nacional de Bellas Artes (hasta el 24 de agosto) y el Espacio Suecia 26 de Fundación Itaú (hasta el 25 de julio).

La muestra también hace hincapié en el largo y esencial compromiso de Garafulic con la docencia, actividad que ejerció durante 37 años (entre 1936 y 1973). Coincidentemente, su taller se localizaba a unos pasos de donde hoy se presentará su obra, en el lado sur del edificio, entre lo que hoy es Museo Nacional de Bellas Artes y Museo de Arte Contemporáneo. En MAC Parque Forestal, sus esculturas se presentarán junto con piezas de su maestro, Lorenzo Domínguez, y trabajos de quienes fueron sus alumnos, como Raúl Valdivieso, Sergio Castillo M., Wilma Hanning, Sergio Mallol y Francisco Gazitúa, bajo la curatoría directa de Francisco Brugnoli, Director del MAC.

Esta exhibición también es un homenaje a la actividad de Lily Garafulic en el Museo Nacional de Bellas Artes, institución en la cual se desempeñó como la primera directora mujer, entre 1973 y 1977. En el MNBA se exhibirá, por primera vez, una selección de 70 piezas, entre las que se encuentran grabados, planchas en cobre, dibujos a lápiz y tinta y algunos documentos, que proporcionarán en su conjunto otra faceta de la producción artística de Garafulic, quien ha sido reconocida principalmente por sus esculturas.  Además, se exhibirá el documental “Lily Garafulic: En sus propias palabras”, realizado por la sobrina de la artista.

Sobre Lily Garafulic

Nació en Antofagasta, en 1914, hija de padres croatas. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile entre 1934 y 1937, donde fue ayudante de Lorenzo Domínguez. En 1939 conoció a Constantin Brancusi en París, lo que produjo un quiebre con su maestro al volver a Chile. Fue profesora de escultura en la Escuela de Bellas Artes durante 37 años. En 1945 obtuvo la beca Guggenheim y partió a Nueva York, donde estudió grabado en el Atelier 17 con William Hayter. En 1959 viajó a Isla de Pascua, experiencia que –según la artista– marcó un antes y un después en su obra. En 1973 se convirtió en la primera mujer en asumir la dirección del Museo Nacional de Bellas Artes. En 1995 fue reconocida con el Premio Nacional de Artes Visuales. Falleció el 15 de marzo de 2012, en Santiago.

Celebraciones en el mundo

En el marco del centenario de Lily Garafulic se realizarán además distintos homenajes y acciones en Chile, Estados Unidos y Croacia. Entre ellas:

CHILE

–        Presentación libro “Lily Garafulic”, de Isidora Osorio. Colección Premios Nacionales, Editorial Confín. Editado por Jennifer King y Maria Paz Garafulic.

–        Mayo 15: Presentación de placa conmemorativa a Lily Garafulic en la Embajada de la República de Croacia en Chile.

CROACIA

Actividad realizada por la Embajada de la República de Croacia en Chile

–        14 de mayo: Homenaje a Lily Garafulic en Croacia, Galeria de Nerezisca vía videoconferencia a Chile.

ESTADOS UNIDOS

Exposiciones de obras en soporte papel y presentación del documental “Lily Garafulic: In Her Own Words”©, presentadas por la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores.

–        Abril 10: Embajada de Chile, Washington DC.

–        Junio 23: Organización de Estados Americanos, Washington DC.

–        Septiembre 18: Instituto Cervantes, New York

–        Noviembre: Washington DC. Homenaje a Lily Garafulic y presentación de documental

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Para más información: http://ggarafuliclily2014.wix.com/100lilygarafulic

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Ciclo de Cursos 2014 – Primer semestre – Público general

Pintura y fotografía. Afinidades y tensiones
Ya están abiertas las inscripciones para el curso dirigido al público general del primer semestre, que –a partir del 8 de mayo– ofrecerá el área de Mediación y Educación del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA).
En las clases, que serán impartidas en el marco del Ciclo de Cursos 2014, se hará revisión a los puntos de encuentro y de tensión que se han producido entre la pintura y la fotografía a lo largo de la historia de las artes visuales en Chile. En este contexto, se apreciarán principalmente las obras que forman parte de las muestras “Arte en Chile: 3 miradas” y “Retrospectiva”, de Sergio Larraín, que permiten analizar la problemática de la representación de la realidad; el rol de la imagen en las construcciones simbólicas, identitarias y sociales, así como el concepto de curatoría y el rol de ésta en la construcción de un relato sobre artes visuales.

Con estos cursos, el MNBA busca implementar una instancia de participación y conocimiento dirigida a todo público, a través de la revisión de las exposiciones permanentes y temporales del Museo, con un énfasis especial en las obras que conforman nuestro patrimonio artístico.

 Cada sesión consiste en una parte teórica y otra de apreciación de las obras en exhibición.

Destinatario: Público general

Cantidad de sesiones: Cuatro

Inicio: Jueves 8 de mayo
Fechas: Los jueves 8, 25, 22 y 29 de mayo

Horario: De 19:00 a 20:30 horas

Lugar: Sala de Mediación y Educación MNBA y salas de exhibición

Inscripciones: mediacion.educacion@mnba.cl
Cupos: 50.

Tres destacados pintores inician 2014 en Artespacio

La Galería Artespacio (Alonso de Córdova 2.600. Teléfono: 2206-2177) abrirá su temporada 2014 con “Ánonimas”, del pintor Matías Vergara (entre el 11 de marzo y el 8 de abril). También en marzo, Vergara inaugurará un mural de 2 x 8 mt en el edificio Apoquindo # 5400.

A partir del jueves 13 de marzo, a las 20:15 horas, esta galería traerá a su segundo Piso trabajos nuevos, antiguos e inéditos de Benjamín Ossa. Esta exposición durará sólo tres días y su fin es mostrar parte de la obra del artista que aparece en su “Libro Temprano”, recién publicado, sobre el cual se hará un conversatorio, a las 19:15 horas, el mismo día de la inauguración, con destacados personalidades que hablarán sobre este texto como prolongación de la obra de Ossa.

Y del 10 de abril al 6 de mayo, el pintor y escultor Francisco Bustamante exhibirá, en ambos pisos, “Nyctophilia”, con alrededor de 60 obras. Se trata de pinturas de gran formato, dibujos y esculturas en gres. Todos trabajos realizados por el artista los últimos años en Nueva York.

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